Selección personal de aquellos directores cuya obra considero especialmente útil para la reflexión filosófica.

1. Woody Allen (1935-)

Director, guionista y actor que ha nacido y vivido siempre en Nueva York. Se inició en el mundo de la comedia escribiendo para otros humoristas y actuando en locales y televisión.

Sus películas atacan con sentido del humor nuestros miedos más profundos: la muerte, la angustia de existir, el dolor, la enfermedad, la locura, la sexualidad… Nunca se han visto demasiadas veces sus películas.

• Bananas (1971)
• Sueños de un seductor (1972)
• El dormilón (1973)
• La última noche de Boris Grushenko (1975)
• Annie Hall (1977)
• Manhattan (1979)
• Stardust Memories (1980)
• Comedia sexual de una noche de verano (1982)
• La rosa púrpura del Cairo (1985)
• Hannah y sus hermanas (1986)
• Delitos y faltas (1989)
• Maridos y mujeres (1992)
• Desmontando a Harry (1997)
• Match Point (2005)

2. Ingmar Bergman (1918-2007)

Cineasta sueco. Trasladó al cine las grandes cuestiones metafísicas de las que se ocupó el existencialismo: la muerte, la libertad, la ausencia de Dios.

Los resultados de su cine son dispares. Son clásicas en el tratamiento de la lucha contra la muerte y el tiempo las dos películas tempranas que citamos: El séptimo sello y Fresas salvajes. Su obra maestra es Persona.

• El séptimo sello (1957)
• Fresas salvajes (1957)
• Persona (1966)

3. Luis Buñuel (1900-1983)

Director de cine. Conoce a Dalí y a Lorca en la Residencia de Estudiantes. En 1929 rueda junto a Dalí, Un perro andaluz, obra maestra del surrealismo cinematográfico. Firme partidario de la República se instala en Méjico tras la guerra civil. Fuera de España rodará todas sus grandes películas: Viridiana -excepcionalmente rodada en España- (1961, Palma de Oro del Festival de Cannes), El ángel exterminador -rodada en Méjico-(1962), El discreto encanto de la burguesía -rodada en Francia- (1972, Oscar a la mejor película extranjera).

A Buñuel le debemos la introducción del surrealismo en el cine, tanto de elementos oníricos como de su acción liberadora. Esto está presente en todas las películas que citamos a continuación.

• Un perro andaluz (1929)
• La edad de oro (1930)
• Él (1953)
• El ángel exterminador (1962)
• Viridiana (1961)
• El fantasma de la libertad (1974)
• Ese oscuro objeto del deseo (1977)

4. Charles Spencer Chaplin (1889-1977)

Actor británico, de fama internacional gracias al personaje de Charlot. De padre alcohólico y madre actriz, pero esquizofrénica, tuvo que buscarse la vida desde niño. Empezó en el teatro y a los veinte años decidió probar fortuna en Hollywood donde el personaje de vagabundo ingenuo que nunca consigue mejorar su vida obtuvo un gran éxito.

Para Chaplin el tránsito al cine sonoro en los años treinta fue traumático. De todos modos, consiguió adaptarse y rodó dos grandes películas, Tiempos modernos, una crítica a la mecanización del mundo, y, El gran dictador, una parodia de Hitler.

Tras la segunda guerra mundial se desató en EE.UU. la «caza de brujas». Chaplin fue acusado de comunista y tuvo que abandonar el país. Murió en Suiza.

• Tiempos modernos (1936)
• El gran dictador (1940)

5. Francis Ford Coppola (1939-)

Estudió cinematografía en la Universidad.

En 1971 rodó El Padrino, y en el 74 la segunda parte. Años más tarde, en 1990, rodaría una tercera parte de menos calidad. En 1979 rodó Apocalypse now, obra maestra del cine bélico, última aparición seria del genial Marlon Brando. En su cine está presente la cuestión de la autonomía del hombre superior en la creación de valores tal y como defendió Nietzsche.

• El Padrino (1972)
• Apocalypse now (1979)

6. Carl Theodor Dreyer (1889-1968)

Director de cine danés. Las dos características más importantes de su cine son, en primer lugar, el intentar trasladar a la pantalla el sentimiento místico (La palabra), y, en segundo lugar, el haber rodado La pasión de Juana de Arco (1928), casi íntegramente, usando el primer plano.

• La pasión de Juana de Arco (1928)
• Ordet. La palabra (1955)

7. Sergei Eisenstein (1898-1948)

Ingeniero de formación, su vocación fue el cine. Tras la revolución de 1917 pone su arte al servicio de la política bolchevique. Su obra maestra es El acorazado Potemkin» (1925). Por un lado, no deja de ser propaganda política, cine bélico al servicio del Estado. Pero, por otro, es revolucionaria en dos sentidos: uno, traslada al cine la imaginería religiosa cristiana y la coloca al servicio de los intereses del pueblo y, segundo, la famosa escalera de Odessa supone una auténtica revolución en la sintaxis del lenguaje cinematográfico gracias al montaje. Frente a la literatura, demasiado sujeta a la narración lineal de la historia, el cine tiene en su mano gracias al montaje la simultaneidad temporal.

Tras otro encargo del gobierno bolchevique, Octubre, empieza a sufrir la censura. Abandona Rusia pero no llega a rodar en Hollywood. De vuelta en Moscú intenta rodar una superproducción sobre Iván el Terrible con música de Prokofiev que nunca llegará a realizarse.

• El acorazado Potenkim (1928)
• Que viva México (1931)
• Iván el terrible (1944)

8. Víctor Erice (1940- )

Es un poeta de la imagen. No sólo aborda con maestría una realidad social (la España de la posguerra), sino que al mismo tiempo da cuenta de cuestiones metafísicas tan complejas como la naturaleza del mal (El espíritu de la colmena) o el fluir de tiempo (El sur y El sol del membrillo) y, por si fuera poco, la profundidad de sus personajes es tal que a veces parece que están a punto de salirse de la pantalla. Todo esto de un modo llano y sutil.

Su filmografía está compuesta por El espíritu de la colmena (1973), Concha de Oro del Festival de San Sebastián, El Sur (1983), su obra maestra, y El sol del membrillo (1992), documental sobre la obra del pintor Antonio López García.

• El espíritu de la colmena (1973)
• El sur (1982)

9. Federico Fellini (1920-1993)

Director de cine italiano nacido en Rímini, un pequeño pueblo desde donde partió, primero a Florencia y luego a Roma para formarse como cineasta. Participó en el guión de Roma, ciudad abierta, obra maestra de R. Rosselini.

A partir de entonces comienza su carrera como director dentro de la corriente neorrealista cuyo objetivo principal es mostrar la verdadera vida de los estratos más desfavorecidos de la sociedad: parados, prostitutas, vagabundos, artistas… A esta época pertenecen La strada (1954), Las noches de Cabiria (1957), y La dolce vita (1960).

Fellini deja de fotografiar la realidad para deformarla incorporando elementos surrealistas y autobiográficos. A esta época pertenecen tanto Fellini ocho y medio (1963) como Roma (1972), sátiras de su ciudad adoptiva y su ambiente profesional. En Amarcord (1973), su mejor película, Fellini regresa a la adolescencia en su Rímini natal.

• Amarcord (1974)

10. Milos Forman (1932-)

Nació en Cáslav, República Checa. Sus padres fueron asesinados en el campo de concentración de Auschwitz. Estudió en la Facultad de Cinematografía de la Academia de arte dramático de Praga. A su época checa pertenece la película Los amores de una rubia (1965) que obtuvo un gran éxito en el Festival de Cannes. En 1968 abandonó el país huyendo de los tanques rusos enviados para aplastar la primavera de Praga. Se refugió en Estados Unidos donde dirigió clásicos como Alguien voló sobre el nido del cuco (1975) y Amadeus (1984) ganadoras de cinco y ocho Oscars respectivamente. Ambas películas representan auténticos manifiestos en defensa de la libertad. Su última película es Los fantasmas de Goya (2006).

• Alguien voló sobre el nido del cuco (1975)
• Amadeus (1984)

11. Peter Greenaway (1942-)

Director de cine británico, ejemplar paradigmático del llamado «cine de autor» europeo. En sus películas hace gala de su formación como pintor y escritor. A su nombre suele ir asociado el del famoso compositor de la banda sonora de El Piano, Michael Nyman ya que este ha compuesto casi íntegramente la música de sus películas. Su cine es elitista, difícil, opuesto al concepto de cine como entretenimiento y visualmente muy recargado. De su obra personalmente destacaría A Walk Through H (1978), un viaje a través de varios mapas dibujados por el propio Greenaway y comentados por una voz en off surrealista y delirante, The Falls (1978), inventario absurdo de material sobre el vuelo de los pájaros, El contrato del dibujante (1982), El vientre del arquitecto (1987), Prospero’s Book (1991) y Las maletas de Tulse Luper 1ª parte (2003)

• A Walk Through H (1978)
• The Falls (1980)
• El contrato del dibujante (1982)
• El vientre del arquitecto (1987)
• Las maletas de Tulse Luper (2003)

12. Tomás Gutiérrez Alea (1920-1996)

Director de cine cubano. Estudia derecho en Cuba antes de trasladarse a Roma para estudiar cine en la capital del neorrealismo. Gracias a la Revolución puede desarrollar el neorrealismo en Cuba con títulos como Muerte de un burócrata (1966) y Memorias del subdesarrollo (1968), películas centradas en los problemas de la Cuba posrrevolucionaria, con un enfoque crítico que no le resta prestigio ante el régimen castrista.

Alcanza la fama internacional con la comedia Fresa y Chocolate (1993) a la cual le sigue Guantanamera (1995)

• Fresa y chocolate (1993)

13. Alfred Hitchcock

Nació en Londres en 1899. Fue educado dentro de una familia católica y le tocó sufrir la moral represiva de la época, lo que quizá explique su posterior afición al psicoanálisis. Perdió a su padre con quince años y su madre, un «sargento castrador» que prefigura el terrorífico personaje de Psicosis, se hizo cargo de la familia. A los veinte años empezó a trabajar en una pequeña productora de cine. De este modo aprendió el oficio desde abajo, haciendo los rótulos de las películas mudas y terminando como director. De su etapa inglesa cabe destacar Los 39 escalones (1935). Huyendo de la segunda guerra mundial emigra a EE.UU. Entre 1954 y 1960 rueda sus obras maestras: La ventana indiscreta (1954), Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959) y Psicosis (1960). Tiene fama de haber sido extremadamente perfeccionista, maniático, tacaño y tiránico. Se enamoró perdidamente de sus actrices y todas le dieron calabazas: Ingrid Bergman, Grace Kelly, Tippi Hedren. Siempre fue menospreciado por la crítica norteamericana que le acusaba de dedicarse al mero entretenimiento. Nunca ganó un Oscar. Sin embargo, en Europa, siempre fue aclamado como un gran innovador del lenguaje cinematográfico. Murió en Los Ángeles en 1980. A través de sus películas el público americano conoció los fundamentos del psicoanálisis y de las teorías de Nietzsche acerca del superhombre. Para conocer a Hitchcock el mejor libro es este: François Truffaut, El cine según Hitchcock. Madrid: Alianza editorial, 2000.

• Recuerda (Spellbound, 1945)
• La soga (Rope, 1948)
• La ventana indiscreta (Rear window, 1954)
• El hombre que sabía demasiado (The man who knew too much, 1956)
• Vértigo (Vertigo, 1958)
• Con la muerte en los talones (North by Northwest, 1959)
• Psicosis (Psycho, 1960)
• Los pájaros (The birds, 1963)
• Marnie la ladrona (Marnie, 1964)

14. John Huston (1906-1987)

Director de cine y actor estadounidense. Capaz de realizar tanto éxitos de taquilla inspirados en novelas de Dashiell Hammett (El halcón Maltés, 1941) como de adaptar al cine complejas obras literarias con un éxito de público bastante relativo. Así, Tennessee Williams (La noche de la iguana, 1964), Flannery O’Connor (Sangre sabia, 1979), Malcolm Lowry (Bajo el volcán, 1984) o James Joyce, Dublineses (1987).

• Freud, pasión secreta (1962)
• La noche de la iguana (1964)
• Dublineses (1987)

15. Stanley Kubrick (1928-1999)

Director de cine cuya vida son sus películas. Extremadamente perfeccionista y autor de una obra repleta de significados ocultos.

Su carrera comienza con una película perfecta con aires de tragedia griega, Atraco Perfecto (The killing) (1956). Es una revolución en la utilización del tiempo cinematográfico. Será imitada por Tarantino en Reservoir Dogs.

Continúa con un manifiesto pacifista protagonizado por Kirk Douglas Senderos de gloria (Paths of glory) (1957). Imprescindible para conocer el verdadero funcionamiento del ejército. También con Kirk Douglas la superproducción Espartaco (Spartacus), de 1960, una defensa a ultranza de la libertad ambientada en el Imperio Romano.

Kubrick continúa haciendo un cine comprometido: se atreve con la Lolita de Nabokov. Una película intensamente perversa protagonizada por James Mason.

En medio de la guerra fría y de la crisis de los misiles cubanos, Kubrick empieza a rodar Teléfono rojo, volamos hacia Moscú (Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb) en 1964. Una crítica feroz de la escalada nuclear de la guerra fría.

1968 es el año de la culminación de su actividad creativa: 2001: Una odisea del espacio (2001: A space odyssey). Kubrick pretende no sólo hacer una obra maestra en el sentido cinematográfico sino dar una imagen global de la historia del universo. Las escenas finales, con el protagonista encerrado en una habitación virtual, son todo un discurso filosófico sobre la naturaleza del tiempo y de la muerte.

En 1971 Kubrick retorna adaptando la novela de Anthony Burgess La naranja mecánica (A clockwork orange) en 1971, película de culto. Kubrick investiga, en una cinta pesimista y ultraviolenta, las raíces del mal en la naturaleza humana.

Su siguiente película, Barry Lindon, es un alarde técnico en la fotografía pero un fracaso cinematográfico. Pero Kubrick no está terminado aún. Vuelve con una obra maestra del cine de terror: El resplandor, basado en la novela homónima de Stephen King.

Sus dos últimas películas son Full metal jacket (1987) y Eyes Wide Shut (1999)

• Atraco Perfecto (1956)
• Senderos de gloria (1957)
• Teléfono rojo, volamos hacia Moscú (1964)
• Espartaco (1960)
• 2001, Una odisea del Espacio (1968)
• La naranja mecánica (1971)

16. Akira Kurosawa (1910-1998)

Es el mejor director de cine japonés de todos los tiempos, capaz de llevar al cine a clásicos de la literatura occidental como Dostoievski o Shakespeare. Su película más popular en occidente es Dersu Uzala, un manifiesto ecologista. Asimismo, también rondando el mismo tema, Los sueños. Alcanzó fama internacional gracias a Rashomon (1950) y Los siete samurais (1954) película en la que comenzó su extensa colaboración con el actor Toshiro Mifune.

• Rashomon (1950)
• Los siete samurais (1954)
• Dersu Uzala (1974)
• Los sueños (1990)

18. Hermanos Marx

Los Hermanos Marx, Groucho, Chico y Harpo, permanecen en la historia del cine a pesar de las dificultades que experimentaron para transformar su espectáculo de variedades al nuevo medio. Gracias al buen trabajo del productor Sam Goldwyn consiguieron dos películas casi redondas, Una noche en la ópera y Una tarde en las carreras. Merece un lugar aparte Groucho Marx, el líder del grupo. Su humor cáustico, anárquico y dadaísta no ha perdido un ápice de frescura y ha inspirado el genio de Woody Allen. Este le dedica un tierno homenaje a otra de sus grandes películas, Sopa de ganso, en Hannah y sus hermanas.

• Sopa de ganso (1933)
• Una noche en la ópera (1935)
• Una tarde en las carreras (1937)

19. Ken Loach (1936-)

Director de cine británico conocido por su realismo social y militancia socialista. Fue principalmente documentalista durante las décadas de los sesenta y setenta. Su logro más importante fue Cathy come home (1966), un documental sobre la injusticia social.

Comienza a dirigir sus mejores películas en los años 90. Loach tiene muy claro el objetivo de su cine: concienciar a la gente de la injusticia de la realidad social en que vivimos y recuperar la memoria de las víctimas de la historia. Por ejemplo, películas críticas con el sistema neoliberal: Riff-Raff (1990), Lloviendo piedras (Raining Stones, 1993, Premio especial del jurado de Cannes), o Es un mundo libre (It’s a free world, 2007, Premio al mejor guión del Festival Internacional de Cine de Venecia). O películas que cuentan la historia de la muy cuestionable política británica en Irlanda Agenda oculta (Hidden Agenda, 1990, Premio especial del jurado de Cannes) o El viento que agita la cebada (The Wind That Shakes the Barley, 2006, Palma de Oro de Cannes). O la historia, más cercana, de la derrota republicana en la Guerra Civil española, Tierra y libertad (Land and Freedom, 1995, Premio internacional de críticos FIPRESCI y premio del jurado ecuménico del Festival de cine de Cannes.)

• Agenda oculta (Hidden Agenda) (1990)
• Riff-Raff (1990)
• Lloviendo piedras (Raining Stones) (1993)
• Felices dieciséis (Sweet Sixteen) (2002)
• El viento que agita la cebada (The Wind That Shakes the Barley) (2006)
• Es un mundo libre (It’s a free world) (2007)

20. Sidney Lumet (1924-2011)

De origen polaco, nació en Philadelphia. Actor, director de teatro y televisión antes que director de cine. Su primera película, Doce hombre sin piedad (1957), fue un rotundo éxito por la que estuvo nominado al Óscar a mejor director.

En la década de los 60 dirigió dos películas relacionadas con el horror del Holocausto judío en la II Guerra Mundial, El prestamista (1964) y La colina (1965).

Durante la década de los 70 Lumet dirigió las películas que más relación tienen con los temas propios de la Filosofía. Es la época del cine-denuncia. Se inició con Serpico (1971), basada en hechos reales denuncia la corrupción de la policía de Nueva York, Tarde de perros (1974), las desventuras de un par de ladrones de banco, Network (1975), un ataque a la alienante vaciedad de los medios de comunicación y Equus (1976), una cinta que investiga los traumas psicoanalíticos de un adolescente.

En 1982, rueda un clásico, Veredicto final, sobre el resurgir moral de un abogado alcohólico. Inolvidables Paul Newman y Charlotte Rampling.

Durante los noventa Lumet empieza a espaciar más sus películas. La calidad ya no es la de antes y algunas están claramente orientadas a la taquilla. En 2005 recibió el homenaje de la Academia al recibir el premio de manos de Al Pacino por toda su carrera. Resurge en 2007 con una verdadera tragedia, Before the Devil Knows You’re Dead.

• Doce hombres sin piedad (12 Angry Men) (1957)
• Equus (Equus) (1977)
• Network, un mundo implacable (Network) (1976)
• Before the Devil Knows You’re Dead (2007)

21. Louis Malle (1932-1995)

Cineasta francés contemporáneo de la la Nouvelle vague, en la que no participó. Tras adaptar al cine la hilarante novela de Raymond Queneau Zazie en el metro (1968), provocó grandes escándalos en Francia por tocar temas como el incesto (El soplo al corazón, 1971) y el colaboracionismo (Lacombe Lucien, 1974). En el punto más crudo de la polémica se exilió en Estados Unidos donde realizó una obra maestra como Atlantic city. Regresó a Francia en los ochenta para rodar sus mejores películas. No dejes de ver:

• Zazie dans le métro (Zazie en el metro, 1960)
• Atlantic City (Atlantic city, 1980)
• Adiós, muchachos (Au revoir, les enfants, 1987)
• Milou en mayo (Milou en mai, 1989)
• Vania en la calle 42 (Vania on 42nd Street, 1994)

22. F. W. Murnau

Estudió Historia de la literatura y el arte en la Universidad de Heidelberg. Fue piloto de combate durante la I Guerra Mundial. Durante los años veinte fue uno de los grandes innovadores del cine alemán junto a Fritz Lang y Ernst Lubitsch. Emigró a Hollywood en 1926. Murió en un accidente de tráfico en Santa Rosa, California, en 1931. No pudo ver estrenada su última película.

Nosferatu es la representación cinematográfica del deseo irracional e inmoral, de esa Voluntad que, según Schopenhauer, es la esencia del mundo. Fausto es la grandiosa adaptación de la obra de Goethe. Por último, Amanecer aspira a ser una auténtica revolución del lenguaje cinematográfico.

• Nosferatu (1922)
• Fausto (1926)
• Amanecer (1927)

23. Roman Polanski (1933-)

Director de cine polaco nacionalizado francés. Perdió a su madre en los campos de concentración nazis. Su padre estuvo recluido durante dos años. Sobre el horror del holocausto dirigió El Pianista. En 1962 estrena en Polonia El cuchillo en el agua por la que obtiene el Óscar a la mejor película extranjera. En esta, como en sus mejores películas, supo mostrar del fondo oscuro, enigmático, abisal, que habita en el fondo del ser humano. Se traslada a Estados Unidos un rueda un gran éxito de taquilla Rosemary’s baby (1968) más conocida como La semilla del diablo. Su mujer Sharon Tate, embarazada de ocho meses, fue una de las víctimas de la masacre que Charles Mason cometió en 1969. En 1974 rueda la que probablemente sea su mejor película Chinatown. En 1977 fue acusado de mantener relaciones con una menor de de 13 años. En libertad bajo fianza, huyó de Estados Unidos y vino a Europa. Nunca más ha vuelto a pisar suelo estadounidense. Algunas de sus últimas películas, no tan memorables como Chinatown, son Frenético (1988), La muerte y la doncella (1994) y El Pianista (2002).

• El cuchillo en el agua (1962)
• Rosemary’s baby (1968)
• Chinatown (1974)

24. Eric Rohmer (1920-2010)

Director y crítico de cine francés, uno de los fundadores de la nouvelle vague y Cahiers du Cinéma.

Partiendo de hechos aparentemente nimios y cotidianos Rohmer intenta acercarse a cuestiones morales y religiosas de gran profundidad. Así puede verse en Mi noche con Maud (1969) o La rodilla de Clara (1970).

• Mi noche con Maud (1969)
• La rodilla de Clara (1970)
• El rayo verde (1986)
• Cuento de primavera (1990)

25. Andrei Tarkovski (1932-1986)

Director de cine soviético, interesado por llevar al cine el sentimiento místico, el aspecto espiritual del ser humano. Sus películas, tediosas para la mayoría, son, para otros, auténticas obras de arte. Solaris, está inspirada en la novela de Lem, ¿qué hacer ante un planeta que diese respuesta a todos nuestros deseos?. Stalker se pregunta también por un lugar donde todos los deseos se realizan. En Sacrificio el protagonista debe renunciar a la cordura para salvar a la humanidad de una guerra nuclear.

• Andrei Rublev (1966)
• Solaris (1972)
• Stalker (1979)
• Sacrificio (1986)

26. Fraçois Truffaut (1932-1984)

Estuvo obsesionado desde niño por el cine y la literatura pero fue muy mal alumno. A los 14 años dejó la escuela para ponerse a trabajar. Adolescente problemático y «casi delincuente», terminó en la cárcel por desertar del ejército. Empezó en el cine como crítico en la revista Cahiers du Cinema («Cuadernos de Cine»). En sus artículos Truffaut defendía el cine de autor frente a la industria cinematográfica norteamericana. Esta idea fue el origen del movimiento llamado la nouvelle vague («nueva ola») al que también pertenecen directores como Jean Luc Godard y Eric Röhmer. A los 27 años rodó Los cuatrocientos golpes, película con una fuerte carga autobiográfica que le dio fama internacional. Otras películas imprescindibles de Truffaut son Farenheit 451 (1966), basada en la novela homónima de Ray Bradbury, y El pequeño salvaje (1970). Hay en sus películas tanta pasión y entusiasmo como melancolía y pesimismo. Es, antes que nada, un defensor entusiasta de Rousseau: del «buen salvaje» y de la libertad como derecho fundamental.

• Los cuatrocientos golpes (1959)
• El pequeño salvaje (1969)
• Farenheit 451 (1966)

27. Gus Van Sant (1952-)

Drugstore Cowboy fue una de las primeras y prometedoras película del director estadounidense Gus Van Sant, que con el tiempo ha terminado por flagelarnos con una carrera llena de altibajos. Es evidente que películas tan convencionales y soporíferas como El indomable Will Hunting (Good Will Hunting, 1997) o su versión racial, Buscando a Forrester (Finding Forrester, 2000) no se caracterizan precisamente por la innovación y el riesgo. Sin embargo, en Drugstore cowboy (1989), Gus Van Sant realizó un retrato interesante del mundo de la droga y la ajetreada vida del yonki. Utilizando recursos literarios propios del realismo mágico presenta instantes de cierta densidad poética y filosófica. Hay que resaltar el excelente trabajo del actor principal, Matt Dillon, y la intervención del escritor William S. Burroughs, yonki octogenario, que, interpretándose a sí mismo, da a la película sus mejores momentos. Recientemente Gus Van Sant obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes con Elephant (2003) donde recrea la masacre de Columbine obligándonos a reflexionar sobre la «banalidad del mal.» Ha recuperado el pulso creativo con Paranoid Park (2007)

• Drugstore Cowboy (1989)
• Elephant (2003)
• Paranoid Park (2007)

28. Orson Welles.

Director de cine, actor, y guionista estadounidense. Su primera película es también su mejor película: Ciudadano Kane (1941). Un genio cinematográfico como Welles, que revolucionó completamente el modo en que la cámara podía contar una historia, que renovó totalmente la sintaxis del lenguaje cinematográfico, alcanzó la cima de su carrera con 25 años. A partir de ese momento no hizo otra cosa que autodestruirse.

Afortunadamente entre borrachera y borrachera nos dejó una joya como La dama de Shanghai (1948), un monumento en algún sentido autobiográfico, Sed de mal (1958), y una correcta adaptación de Kafka, El proceso (1962)

• Ciudadano Kane (1941)
• Sed de mal (1958)
• El proceso (1962)