Luis Buñuel: La vía láctea (1969)

Humor surrealista y profundas reflexiones teológicas se dan la mano en una de las últimas películas de Buñuel. El argumento es mínimo: dos mendigos parten de Francia, inspirados por Dios Padre, para hacer el camino de Santiago. A lo largo del viaje se les van mostrando las atrocidades, herejías, supersticiones y fanatismos en los que ha estado implicada la religión católica a lo largo de su historia. He seleccionado una escena que ilustra muy bien la doctrina de una de las variantes que compitió durante siglos con el cristianismo oficial: el gnosticismo. Según éste el hombre se compone de un principio luminoso, el alma, y un principio oscuro y malvado, el cuerpo. Como decían los órficos y Platón el cuerpo es la cárcel del alma. Sin embargo, en lugar de una moral represiva, la consecuencia que los gnósticos extraen de este dualismo radical es que cuanto más se entregue el cuerpo a imperfecciones como la lujuria más brillará en su toda su pureza el principio divino, el alma. Sus costumbres eran, por tanto, bastante libertinas, tal y como se muestra en el fragmento que puedes ver más arriba. Por desgracia, Prisciliano, el líder de la secta, fue condenado por hereje y decapitado en 385.

A lo largo de la película, además de justificar el ateísmo en variadas ocasiones, Buñuel deja traslucir cierta ambigüedad respecto al tema religioso. Dice odiar tanto la ciencia y la tecnología que teme terminar por creer en Dios. El positivismo científico, que reduce el mundo a la mera realidad empírica, era algo que a Buñuel le horrorizaba. Entendía que la sensibilidad religiosa o artística eran imprescindibles para completar nuestra experiencia del mundo dando cabida a lo irracional, los sueños, lo espiritual, el caos…

En definitiva, una lección magistral de teología y filosofía que no debes perderte. Otros  temas que Buñuel trata con rigor y claridad son la predestinación, el pecado original, la gracia, la transubstanciación, la naturaleza humana o divina de Cristo y la Inquisición.

Ficha técnica

  1. Título:  La Voie Lactée (La Vía Láctea)
  2. Dirección: Luis Buñuel
  3. Producción:  Serge Siberman
  4. Guión: Luis Buñuel, Jean-Claude Carrière
  5. Reparto:  Paul Frankeur, Laurent Terzieff, Alain Cuny, Edith Scob, Michel Piccoli, Jean-Claude Carrière
  6. País(es): Francia-Italia
  7. Año: 1969
  8. Duración: 95 minutos
  9. Compañías Productoras:  Greenwich Films Production (Francia) y Fraisa (Italia)

Mozart, Nietzsche y El lobo estepario


Las bodas de Fígaro, acto I, escena 5ª, “Non so più cosa son, cosa facio”

El lobo estepario de Hermann Hesse fue en los años setenta un libro muy leído. Daba vida a tres de las ideas más comunes del movimiento hippie: la búsqueda de la sabiduría a través de alucinógenos, la revolución sexual y una cierta tecnofobia consecuencia del deseo de una “vuelta a la naturaleza”. Los tiempos cambian y las modas pasan pero el libro de Hesse ha permanecido porque es mucho más aparte de ese cliché. Como otras obras suyas, por ejemplo Demian o Siddharta, El lobo estepario pertenece a esos textos de filosofía perenne de la que hablaba Aldous Huxley.

En la tortuosa personalidad del protagonista, Harry Haller, se condensan el malestar y el nihilismo de la época de entreguerras. Son Freud y Nietzsche los terapeutas que Hesse elige para diagnosticar y remediar la desesperación existencial de Harry. Dentro de la novela, Freud y Nietzsche se transfiguran en músicos. Así, Freud toma la forma de Pablo, un saxofonista de jazz, que, junto a Armanda y María,  enseñan a Harry el camino del cuerpo, el teatro del inconsciente. Nietzsche se encarna en la figura de Mozart e intenta remediar el nihilismo de raíz platónica de Harry. Para éste el mundo que le rodea, el “mundo aparente”, es una realidad despreciable, que sólo se soporta si se tiene acceso a la Belleza pura e inmaterial del arte, especialmente de la música. La lección que Mozart-Nietzsche da a Harry en uno de sus éxtasis lisérgicos es que no hay más mundo que el aparente. Asumir y reivindicar la vida, el cuerpo, la levedad, el baile, la risa, es el único camino para sanar del nihilismo. Al terminar la novela las figuras de Pablo y Mozart se convierten en una sola en la mente de Harry que, finalmente, comprende:

Oh, lo comprendí todo; comprendí a Pablo, comprendí a Mozart, oí en alguna parte detrás de mí su risa terrible; sabía que estaban en mi bolsillo todas las cien mil figuras del juego de la vida: aniquilado, barruntaba su significación; tenía el propósito de empezar otra vez el juego, de gustar sus tormentos otra vez, de estremecerme de nuevo y recorrer una y muchas veces más el infierno de mi interior.

Alguna vez llegaría a saber jugar mejor el juego de las figuras. Alguna vez aprendería a reír. Pablo me estaba esperando. Mozart me estaba esperando.

Creo que Las bodas de Fígaro, dejando aparte sus connotaciones políticas, es la ópera de Mozart que mejor representa esa celebración nietzscheana de la vida, de la levedad de la existencia, de la inocencia del devenir, del juego del artista, del juego del niño… Así, por ejemplo, Acto primero, escena primera, el conocido dueto entre Figaro y Susanna preparando su boda. O, más arriba, la tensión sexual del aria de Cherubino “Non so più cosa son, cosa facio”.


Las bodas de Fígaro, acto I, escena 1ª, “Cinque, dieci, venti, trenta”

Ficha técnica

W. A. Mozart: Le Nozze di Figaro

Director

John Eliot Gardiner, 1993

Intérpretes

  • Bryn Terfel: Figaro
  • Alison Hagley: Susanna
  • Pamela Helen Stephen: Cherubino
  • Rodney Gilfry: El conde de Almaviva
  • Hillevi Martipelto: La condesa de Almaviva
  • The Monteverdi Choir- The English Baroque Soloists

Xenakis y el pitagorismo

Pitágoras descubrió que existe relación entre la longitud de las cuerdas de la lira y las notas musicales que producen. Por ejemplo, si la nota Do es la unidad, Sol es 3/2 de la misma. Descubrió, por tanto, que el principio de la armonía musical responde a proporciones matemáticas. Entusiasmado con su hallazgo lo extrapoló al cosmos en su totalidad: las órbitas de los planetas están también sometidas a leyes matemáticas, son armónicas, y producen la llamada “música de las esferas”.

Un pitagórico contemporáneo es el compositor de origen griego y nacionalizado francés Iannis Xenakis (1922-2001). Según Xenakis la música ha de obedecer a leyes matemáticas y, más concretamente, al cálculo de probabilidades, como si las notas tuviesen que sonar imitando el movimiento de las moléculas de gas. A esta forma musical la llamó música estocástica de la cual es un ejemplo la pieza Strategie que puedes escuchar más arriba.

En 1972 fundó el CEMAMu (Centre d’Études de Mathématique et Automatique Musicales) dedicado a la aplicación de la informática y las matemáticas a la música. Se trata de crear un reflejo musical a partir de una imagen. Las complejas matemáticas que esto requiere son tarea de la informática. Un buen ejemplo de esta fusión es la pieza Mycenae-Alpha de 1978.

¿Es la música de Xenakis un ruido insoportable, simplemente fea? ¿O es que el oído del espectador no está capacitado para percibir su belleza? ¿Quién sabe cómo sonará la música del Universo? ¿Y tú qué piensas?

En 2001, una odisea del espacio, Stanley Kubrick supo combinar sorprendentemente ambos tipos de música: el lado más clásico de la mano de El danubio azul de Strauss y el lado vanguardista gracias a fragmentos de las obras  de Györgi Ligeti Réquiem, Lux aeterna y Atmosphères. Así, un primer vídeo con las naves espaciales bailando al compás de Strauss y otro con el Requiem de Ligeti acompañado de fotos de la película.

La pregunta sin respuesta de Ives y la ilusión trascendental de Kant

Cuando escucho esta música recuerdo la escena de Matrix en la que Trinity, al modo socrático, introduce a Neo  en la cuestión esencial del pensamiento, la eterna pregunta por el sentido de la existencia, o dicho de otro modo, “¿Qué es Matrix?”. También es adecuada para ilustrar aquello que Kant llamaba ilusión trascendental: la necesidad innata de hacer preguntas metafísicas aunque sepamos que las respuestas están más allá de nuestro alcance. Creo que esta pieza del compositor estadounidense Charles Ives (1874-1954) es un buen ejemplo de ese primer paso interrogante de la filosofía.

Según Leonard Bernstein, en La pregunta sin respuesta (1906) pueden distinguirse tres estratos:

  1. El fondo de cuerdas “infinitamente suave, lento y sostenido” simboliza el “silencio de los druidas que no saben, no ven, ni oyen nada”.
  2. La trompeta es quien hace “la pregunta sin respuesta”. Tras preguntar seis veces y obtener respuesta de flautas o maderas, la séptima vez no se escucha otra cosa que el fondo de cuerdas, el silencio.
  3. Las flautas o maderas que dan las respuestas, al principio lentas y levemente disonantes y al final extremadamente “agitadas y atonales”, revelan la desesperación y el error causados por ese maldito gen metafísico que  Kant descubrió.

Gesualdo y Platón: la belleza del mal

Decía Platón que las Ideas en general, por ejemplo las de Belleza y Justicia, eran tales porque participaban de la Idea suprema, la Idea del Bien. Esta intuición platónica vinculando inextricablemente el Bien con la Belleza será llevada al extremo por la teología cristiana en su venerable concepto Dios. Sin embargo, son muchos los ejemplos de este mundo visible que invalidan la conexión entre Belleza y Bien. Abundan, por ejemplo, en el mundo del arte. Este es el caso del compositor italiano del Renacimiento Gesualdo, conocido no sólo por una obra musical que se adelantó cuatrocientos años a su época sino también por sus sangrientos crímenes.

Werner Herzog, director de cine alemán especializado en el tratamiento de personajes diabólicos, obsesivos y al borde la locura como Aguirre, la cólera de Dios (1973) o Fitzcarraldo (1982), dedica el documental Death for five voices a la controvertida figura de Carlo Gesualdo, príncipe de Venosa. Su obra musical más conocida la componen seis libros de madrigales a cinco voces. La muerte y el dolor son omnipresentes tanto en la letra como en la música. Su obra es inquietante y perturbadora en parte por el uso de disonancias, recurso que desaparecerá durante el clasicismo para resucitar a finales del XIX en compositores como Bruckner y más tarde en el expresionismo.

Para entender la música de Gesualdo hay que conocer algo de su biografía. Se casó con su hermosa prima María de Avalos, la descubrió con un amante y los apuñaló a ambos con el ensañamiento propio de un psicópata. Atormentado por su crimen se refugió en su castillo. Cuenta la leyenda que de los dos hijos de María mató al que sospechaba producto de sus infidelidades. Lo columpió de un balcón hasta que murió mientras un coro interpretaba en el patio madrigales acerca de la belleza de la muerte. Volvió a casarse pero su nueva esposa huyó acusándolo de maltrato. Pasó los últimos dieciséis años de su vida encerrado en su castillo, destrozado por la culpa y el arrepentimiento y creando una música memorable.

El documental está disponible en inglés en youtube.com

Zizek! (2005)

Ficha técnica

  1. Director: Astra Taylor
  2. Fecha de estreno: 2005
  3. Duración: 71 minutos
  4. Producción: Hidden Driver Productions, The Documentary Campaign
  5. Nacionalidad: EE.UU., Canadá
  6. Rodado en: Buenos Aires, Ljubljana, New York.

Sinopsis

Recomendado por Jaume, este es un vídeo subtitulado en español sobre la figura del filósofo esloveno Slavoj Žižek. No es el típico documental relacionado con la filosofía: previsible y aburrido. Son muchas las sorpresas. Por ejemplo el aula abarrotada de Buenos Aires, su curiosa carrera política, la ropa en los armarios de la cocina, su fobia social… En el discurso de Žižek destacan, por un lado, la voluntad de ser claro, de explicar a Lacan de modo que lo entienda “hasta tu abuela” y, por otro, la finura en el análisis de las trampas con que las democracias capitalistas se autolegitiman.

Otra copia del documental en esta excelente Videoteca de humanidades

La sección áurea y el pato Donald

Recomendado por “el niño subliminal” en un comentario a los apuntes sobre la sección áurea un interesante vídeo titulado “La sección áurea y el pato Donald” que puedes ver en youtube. En mi opinión, no sólo es útil para entender la sección áurea sino también como aproximación al papel de las matemáticas en los pitagóricos y Platón.

La sección áurea aplicada a la Leda atómica de Dalí

La sección áurea aplicada a la Leda atómica de Dalí

Sobre este tema de la sección áurea también recomienda “el niño subliminal” el documental titulado “Dimensión Dalí, la obsesión de un genio por la ciencia“. En este se muestra la profunda influencia de los descubrimientos científicos del s. XX en la obra de Dalí. En su pintura influye no sólo el psicoanálisis de Freud sino también la relatividad de Einstein, la descomposición atómica de la materia, la mecánica cuántica a través de Schrödinger , el ácido desoxirribonucleico descubierto por Watson y Crick, la matemática de las catástrofes de René Thom y también la sección áurea a través de su amistad con el matemático rumano Matila Ghyka. Esta influencia es evidente en la conocida obra de Dalí Leda atómica.

Led

Dalí, Leda atómica, 1949, Museo Dalí de Figueras.

Luis Buñuel: La edad de oro

La edad de oro (1930) es la segunda película de Luis Buñuel. Plenamente surrealista, ilustra no sólo el conflicto freudiano entre la moral represesora del superyó y las pulsiones sexuales y agresivas del inconsciente sino también el poder de la ideología, la religión y la cultura en la opresión de las clases trabajadoras. Para el surrealismo la liberación del inconsciente estaba íntimamente conectada con la emancipación de los trabajadores. El surrealismo fue capaz de realizar la simbiosis del pensamiento de Freud y Marx y la película de Buñuel es una buena muestra ello. El carácter subversivo de la película quedó patente cuando, tras proyectarse seis días con la sala llena, la prensa arremetió duramente contra ella y grupos de ultraderecha lanzaron bombas contra la pantalla y rompieron las butacas. Una semana después se prohibió. La película no volvió a distribuirse hasta 1980 en Nueva York y 1981 en París.

Según Buñuel, la película  “se trataba también -y sobre todo- de una película de amor loco, de un impulso irresistible que, en cualquiera circunstancias, empuja el uno hacia el otro a un hombre y una mujer que nunca pueden unirse” (p. 133). Es, por tanto, una historia de amor. Pero no el amor romántico burgués sino un amor liberador que rompe las barreras morales y políticas. Sin embargo, la película abarca mucho más. El título La edad de oro remite al paraíso imaginado por  Hesíodo pero comienza precisamente con la negación del mismo. No existió un pasado originario feliz. Al contrario, sobre un territorio árido y peligroso, poblado por seres crueles y violentos, se instaló la violencia superior de la civilización, representada por la visita de los mallorquines: obispos, militares, burgueses… Tal y como pensaba Freud y transmite la película, la civilización sólo es posible gracias a la victoria de la moral represora. El amor de los protagonistas es la única fuerza capaz de transgredir el peso de la opresión a través de los siglos.

Buñuel intentó escribir el guión de La edad de oro junto a Dalí, del mismo modo automático que Un perro andaluz. Viajó a Figueras pero la conexión con Dalí se había roto. Buñuel se pregunta si era ya la influencia maléfica de Gala, a quien Buñuel odiaba a muerte.

Reflexionando en sus memorias acerca del surrealismo, Buñuel se pregunta qué queda de aquel movimiento y se responde que tuvo éxito en el aspecto artístico pero fracasó en lo más importante: no fue capaz de transformar el mundo.

Muchos años más tarde, un programa de TVE llamado también “La edad de oro” intentó recuperar ese espíritu subversivo de la película de Buñuel. Aquí te dejo dos de sus momentos más memorables: una entrevista de Paloma Chamorro a Almodóvar y Mcnamara y del famoso concierto de The Smiths, This charming man.

Cuestionario

A continuación unas preguntas para que te detengas a pensar en algunos de los símbolos de la película:

  1. ¿Qué idea de la naturaleza humana crees que sugiere el breve documental sobre escorpiones con que se inicia la película?
  2. Cuando al principio de la película  los amantes son descubiertos en el barro ¿por qué se superponen imágenes de lava y volcanes en erupción así como así como el retrete de un cuarto de baño?
  3. ¿Por qué crees que Buñuel elige Roma como la primera ciudad que erige la civilización?
  4. Mientras la enamorada espera a su amado aparece con un dedo vendado y una vaca en su cama, ¿qué crees que significan estos símbolos?
  5. ¿Por qué crees que el protagonista pega una patada al perrito o empuja al ciego?
  6. Cuando el guardabosques de la mansión dispara a su hijo por haberle tirado el cigarrillo que estaba liando, los asistentes a la fiesta, alarmados, salen al balcón y luego vuelven a entrar para continuar tranquilamente la fiesta ¿por qué?
  7. ¿Qué significa el paso de un carro con campesinos bebiendo vino por el medio de la fiesta?
  8. ¿Por qué el padre de la protagonista tiene moscas en la cara?
  9. ¿Por qué una camarera sale ardiendo de una habitación en llamas y nadie le hace caso?
  10. ¿Por qué la música que suena durante la escena de amor de los protagonistas en el jardín pertenece a Tristán e Isolda de Wagner?
  11. ¿Cuáles son los obstáculos que se presentan al amor durante la escena erótica del jardín?
  12. ¿Por qué los amantes de devoran?
  13. Buñuel usa por primera vez la voz en off. La protagonista dice “!Qué alegría haber matado a nuestros hijos!” mientras su amado se ha arrancado los ojos como Edipo y dice “Mi amor, mi amor…”  ¿Cómo lo interpretas?
  14. ¿Qué arroja el protagonista por la ventana durante su ataque de celos?
  15. Busca información sobre los tambores de Calanda que suenan durante el ataque de celos de protagonista.

Ficha técnica

  1. Director: Luis Buñuel
  2. Guionistas: Luis Buñuel (scenario) y Salvador Dalí (escenario)
  3. Intérpretes:  Gaston Modot     …     The Man, Lya Lys    …     Young Girl, Caridad de Laberdesque    …     Chambermaid and Little Girl, Max Ernst    …     Leader of men in cottage, Josep Llorens Artigas    …     Governor, Lionel Salem    …     Duke of Blangis, Germaine Noizet    …     Marquise, Duchange    …     Conductor, Bonaventura Ibáñez    …     Marquis (as Ibanez)
  4. Duración: 60 min.

Bibliografía

  1. Barbachano, C.: Luis Buñuel. Madrid: Alianza, 2000.
  2. Buñuel, L.: Mi último suspiro. Ana María de la Fuente (tr.) Barcelona: De bolsillo, 2008.
  3. Gubern, R.: Proyector de luna. La generación del 27 y el cine. Barcelona: Anagrama, 1999
  4. Sánchez Vidal, A.: Luis Buñuel. Madrid: Cátedra, 1991
  5. La edad de oro en Wikipedia.

La edad de oro en youtube.com

Neuronas y neurotransmisores

Neuronas

Neurotransmisores

Fisiología de la conducta

El cerebro humano, hemisferio izquierdoUno de los temas esenciales en la asignatura de Psicología es la Fisiología de la conducta, es decir, los fundamentos anatómicos de la misma. Añado aquí un enlace a un tutorial de neuroanatomía muy realista, otro a un web multidisciplinar muy exhaustivo sobre la actividad cerebral y otro a una asequible introducción general a la psicología con un breve pero aprovechable artículo sobre los neurotransmisores. Otros recursos interesantes son  un capítulo del programa “Redes” de Eduard Punset donde se plantea la interesante cuestión de por qué el cerebro de los hombres es diferente del de las mujeres y otro de la celebre serie Cosmos de Carl Sagan titulado “La persistencia de la memoria”.

Los enlaces:

  1. Neuroanatomy tutorial
  2. biopsicologia.net
  3. George Boeree: Psicología general, los neurotransmisores.

Eduard Punset, Redes, “El cerebro femenino”, capítulo 434.

Carl Sagan, Cosmos, “La persistencia de la memoria”, capítulo 11.